Wykonanie zawodu aktora stanowi dla wielu wielkie marzenie. Jest to praca pełna prestiżu łącząca karierę z pasją do filmu czy teatru. Aby osiągnąć sukces w tej branży, niezbędne jest wykazanie się ogromnym talentem i prześcignięcie innych kandydatów na castingu. Warto jednak pamiętać, że podczas procesu rekrutacyjnego może być wymagane przedstawienie pisemnego CV aktorskiego.

Kiedy taki dokument może być Ci potrzebny i w jakich sytuacjach na pewno go nie przedstawiać?

W przemyśle aktorskim najważniejsze stanowi twój talent, a na ostateczną decyzję produkcji wpływa to jak poradziłeś sobie na przesłuchaniu bądź co prezentujesz w wizytówce aktorskiej, ale istnieją sytuacje, w których wymagane może być również przedstawienie dokumentu pisemnego. Oto kilka z nich:

• Podczas spotkań z agentami i menedżerami: Jeśli aktor jest zainteresowany pozyskaniem agenta lub menedżera, może przekazać swoje CV jako część swojej prezentacji. CV pomoże agencji lub menedżerowi zrozumieć historię aktora, umiejętności i dotychczasowe osiągnięcia.
• Na wydarzeniach branżowych: Aktorzy mogą mieć okazję przedstawić swoje CV podczas branżowych wydarzeń, takich jak targi filmowe, festiwale filmowe, warsztaty czy spotkania networkingowe. Przekazanie CV może pomóc w nawiązaniu kontaktów i budowaniu relacji zawodowych.
• Przy zapytaniach o współpracę: Jeśli aktor otrzymuje zapytanie od reżysera, producenta lub innego profesjonalisty z branży filmowej, w którym wyrażają zainteresowanie współpracą, aktor może przedstawić swoje CV w odpowiedzi. To pismo pomoże zapoznać drugą stronę z osiągnięciami i doświadczeniem aktora.
• Pierwsze etapy castingów przy wyraźnej prośbie produkcji. Możesz dołączyć swój życiorys do karty castingowej, jest to szczególnie ułatwiające gdy masz już większe doświadczenie a dokument przedstawia to w klarowny sposób.

Pamiętaj jednak by nie przynosić swojego CV bez wyraźnej prośby oraz nie dostarczać go w trakcie trwania castingu. Reżyser castingu jest wtedy zajęty współpracą z reżyserem i innymi aktorami. Jeśli chcesz przedstawić swoje CV wyślij je mailowo.

Choć w Internecie znaleźć można wiele szablonów CV, specyfika branży aktorskiej dyktuje swoje prawa a artystyczny życiorys wymaga indywidualnego, precyzyjnego przygotowania. Poniżej znajdziesz wskazówki jak napisać CV, które zachowuje wymagania formalne, lecz również pomoże ci się wyróżnić. Najważniejszą kwestią jest zachowanie prostej i przejrzystej formy tak, by łatwo można było ocenić poziom twojego doświadczenia. Pamiętaj jednak by twój dokument był estetyczny.

• Na górze strony dużą czcionką imię i nazwisko. Ma być czytelne i jako jedyne na stronie się wyróżniać. Pod spodem lub na dole strony dane kontaktowe (telefon i adres e-mail) do Ciebie i Twojego agenta. Dodaj informację o swojej agencji.

Rozwój technologiczny i wszechobecna interaktywność wpływa również na to jak dzisiaj wyglądają CV. Jeśli masz własną stronę internetową, profil na IMDb zawrzyj to w CV i podlinkuj. Wizytówkę aktorską możesz zamieścić w serwisach video jak YouTube czy Vimeo i również dodać odnośnik do niego w CV. Pamiętaj przy tym, aby ustawić odpowiednie

Ciekawą alternatywą jest również profil w platformie castingpro.pl. Posiadając konto wykonawcy możesz zaprezentować się czołowym reżyserom castingu, którzy korzystają z serwisu. CastingPro daje możliwość zaprezentowania materiałów wideo, fotograficznych oraz twojego doświadczenia w formie interaktywnego CV. Dzięki współpracy z CastingPro nie tylko zaprezentuje twój dorobek artystyczny, ale również reprezentuje Cię w kontakcie z reżyserami castingu i producentami. Rozważ tę opcję, tym bardziej, że jest ona bezpłatna. Profil wykonawcy możesz założyć klikając tutaj. (https://castingpro.pl/dodaj-profil).

• Dodaj zdjęcie portretowe. Pamiętaj by zachować swój najbardziej naturalny wygląd. Nie używaj zdjęć typu selfie bądź fotografii z wyróżniającym się tłem. Kobiety powinny zrezygnować z mocnego makijażu a więc unikaj zdjęć typu beauty.
• Napisz krótką notkę na swój temat. Wpisz swoje cele zawodowe i ambicje. Napisz o swoich zainteresowaniach, szczególnie tych z obszaru aktorstwa i pracy z ciałem. Możesz dodać też zdanie o swoich ambicjach zawodowych.
• Doświadczenie przedstaw w klarowny i zorganizowany sposób. Wyróżnij obszary działań aktorskich: film, telewizja, teatr czy Internet i w danej sekcji wypunktuj wszystkie swoje projekty. Pamiętaj by precyzyjnie określić wielkość i rodzaj ról, czy była to rola główna, drugoplanowa. Przy serialach telewizyjnych pamiętaj by wyróżnić rolę epizodyczną, gościnną czy powtarzającą się. Podaj informacje dotyczące kluczowych osób lub podmiotów zaangażowanych w produkcję, takich jak reżyserzy, producenci, przedsiębiorstwa produkcyjne czy sieci telewizyjne w przypadku seriali. Przy produkcjach teatralnych ważne jest by podać tytuł sztuki, nazwę teatru, rolę oraz czas trwania pracy.

ProTip: możesz polinkować swoje doświadczenie do teaserów, trailerów, stron internetowych projektu bądź innych materiałów w sieci.

• Jeśli otrzymałeś nagrody bądź wyróżnienia koniecznie napisz to w doświadczeniu pod danym projektem.
• Sekcję poświęconą edukacji rozbuduj o wszelkie rodzaje zajęć aktorskich, odbyte na Akademii, takie jak ruch, techniki przesłuchań czy improwizacja etc.; dodaj nazwisko nauczyciela czy instruktora, u którego się one odbyły. Możesz również pochwalić się swoimi osiągnięciami na uczelni aktorskiej. Dodaj informacje o dyplomie i opiekunie, który prowadził Was podczas kończenia Szkoły. Koniecznie wypisz też skończone przez siebie szkolenia.Jeśli posiadasz bogatą historię zawodową, nie musisz skupiać się na szczegółowym opisie swojego wykształcenia. Jednak, jeśli dopiero rozpoczynasz swoją karierę aktorską, warto w tej sekcji podkreślić najważniejsze osiągnięcia, aby zaprezentować pracodawcy swoją determinację i talent. Może to być koło teatralna w liceum albo aktywność w miejskim ośrodku kultury.
• W sekcji dotyczącej dany osobowych zawrzyj informacje takie jak wzrost, waga, kolor włosów i oczu. Jeśli masz różny wygląd, na przykład nosisz brodę, masz różną fryzurę bądź tatuaże warto to również wspomnieć. Jeśli należysz do związku zawodowego napisz to tutaj. W Polsce prawami tej grupy zawodowej zajmuje się ZZAP.
• Na samym końcu wypisz wszelkie swoje umiejętności które mogą być istotne dla aktorstwa, na przykład biegłość w różnych językach, umiejętności muzyczne, znajomość stylów tańca, sporty czy konkretne talenty. Pamiętaj by napisać o prawie jazdy, jeśli je posiadasz albo innych certyfikatach potwierdzających dodatkowe umiejętności.

Nie zapomnij wypisać swoich umiejętności miękkich. To co cenione jest w tym zawodzie to między innymi inteligencja emocjonalna, elastyczność i adaptacja, współpraca i oczywiście kreatywność.

Pamiętaj, aby utrzymać swoje CV aktorskie zwięzłe, czytelne i dobrze zorganizowane. Dostosuj je do konkretnych wymagań każdego przesłuchania czy castingu, podkreślając najważniejsze doświadczenia i umiejętności. Warto również regularnie aktualizować CV o nowe projekty i osiągnięcia, aby zawsze prezentować najświeższe informacje dotyczące swojej kariery aktorskiej.

Znalezienie własnej drogi aktorskiej nie musi być trudne. Istnieje wiele technik aktorskich, którymi można podążać. Przedstawiamy kilka metod, które należą do fundamentów aktorstwa psychologicznego i ukształtowały wielu znakomitych, współczesnych aktorów.

Najważniejsze techniki aktorskie, o których musisz wiedzieć

Znalezienie własnej drogi aktorskiej nie musi być trudne. Istnieje wiele technik aktorskich, którymi można podążać. Przedstawiamy kilka metod, które należą do fundamentów aktorstwa psychologicznego i ukształtowały wielu znakomitych, współczesnych aktorów.

Metoda Stanisławskiego – A co gdyby…?
Konstantin Stanisławski na nowo odkrył techniki aktorskie. Jego metoda polega na połączeniu emocji aktora z emocjami postaci. Najprościej rzecz ujmując, należy szukać odgrywanej postaci w sobie. W tym celu najpierw należy poznać bohatera, zbadać to, co wpłynęło
na podejmowane przez niego decyzje, aby lepiej go zrozumieć. A później po prostu spróbować poczuć te emocje.
Najbardziej znana zasada tej metody brzmi “magiczne jeśli”. W skrócie, aktor ma świadomość, że w głębi w duszy nie wierzy w prawdziwość tego, co dzieje się podczas sceny, co stanowi naturalną przeszkodę w jego pracy.

Ale jeśli… znalazłby się w takiej sytuacji, to jak mógłby się zachować?

Taka myśl zdecydowanie pobudza do działania w pewnych okolicznościach założonych,
o których mówił Stanisławski, czyli mówiąc prosto: w fabule scenariusza.

Metoda Lee Strasberga – Poczuj to sam
Lee Strasberg odwrócił do góry nogami myśl, że aktor powinien zrozumieć bohatera w ramach fabuły i próbować wczuć się w jego sytuację. Stwierdził, że aktor musi w sposób dosłowny odnaleźć w tzw. procesie podstawienia wydarzenia ze swojej przeszłości.
Jedno z najważniejszych założeń tej metody to ćwiczenie pamięci emocjonalnej,
czyli wspominanie sytuacji z przeszłości. Jeśli np. aktor odgrywa postać, która doświadcza straty ojca, powinien odwołać się do własnej straty np. innej, bliskiej osoby. Warto zaznaczyć, że metoda Strasberga wywołała sporo kontrowersji. Z tego powodu jako granicę bezpieczeństwa twórca ustanowił wydarzenia sprzed min. 7 lat.

Metoda Adler – Użyj wyobraźni
Stella Adler skrytykowała metodę Strasberga za zbyt osobisty i emocjonalny charakter takiego rodzaju aktorstwa. Metoda Adler opiera się na tym, aby wykorzystywać ćwiczenie gimnastyki umysłu, bo wyobraźnia to najcenniejsze narzędzie aktora. A później po prostu… działać,
bo bohater i jego historia rozwija się przede wszystkim dzięki dokonywanym czynom.
Inspirując się metodą Adler warto również wczytać się w scenariusz, szczegóły otoczenia
i przedstawionej rzeczywistości, bo każdy detal ma znaczenie i może wpływać na to, jak może postąpić bohater.

Metoda Meisnera – Akcja – Reakcja
Technika Sanforda Meisnera pogłębia to, w co wierzyła poprzedniczka: najważniejsze
w aktorstwie jest działanie. Tekst powinien być przez aktora chłodno wystudiowany, a emocje stanowią reakcję na działania drugiego aktora. Twórca nie przypisywał zatem wielkiej wagi wytworzonym wcześniej emocjom, ale opierał się na impulsach aktorskich, które dzieją się podczas sceny. Takie podejście pozwala na spontaniczność, improwizacje i odgrywanie jednej sceny w nieskończonej ilości wersji.

Wybór odpowiedniej techniki aktorskiej, jest kwestią bardzo osobistą. Bez wątpienia warto spróbować najpopularniejszych metod, a następnie zdecydować, która jest najbardziej odpowiednia dla Ciebie i iść w tym kierunku. Pamiętajmy też, że metody także ewoluują wraz ze zmieniającym się kinem i teatrem. Sam Stanisławski rozwinął swoją technikę, ponieważ uznał, że ówczesne aktorstwo koncentrowało się tylko na fizyczności, nie poświęcając zbyt wiele uwagi psychologii postaci. Trzeba szukać siebie…

Mamy jesień i sezon teatralny 2022/23 w pełni! Na deskach teatrów gości wiele ciekawych spektakli i twórców. Jeśli planujesz spędzić ten czas z myślą o teatrze, poniżej znajdziesz kilka ciekawych propozycji. W repertuarze nie tylko spektakle, ale też trochę historii, wielkiej twórczości i najnowsze ciekawostki technologiczne.

„DEKALOG”

Po 35. latach od powstania, dzieło Krzysztofa Kieślowskiego i Krzysztofa Piesiewicza, wraca do publiczności. Tym razem jednak w teatrze. Dziesięć filmowych opowieści ułożonych
na nowo, przełożonych na język teatralny i zaprezentowanych widzom na deskach Teatru Narodowego w Warszawie. Trudne dylematy, niełatwe odpowiedzi i samotność człowieka reinterpretuje dla widzów Wojciech Faruga. Premiera odbyła się 8 października, kolejne spektakle odbędą się 15, 16 i 17 listopada.

„ŁASKAWE”

Nowy sezon w Teatrze Śląskim upływa pod hasłem „Rozliczenia. Rewizje”. Jednym ze spektakli w tym sezonie jest inscenizacja „Łaskawych” Jonathana Littella. To opowieść o byłym nazistowskim oficerze, którego nawiedzają duchy przeszłości. Jedna z najgłośniejszych i najbardziej kontrowersyjnych powieści XXI wieku w inscenizacji jednej z najważniejszych europejskich reżyserek, nagrodzonej Srebrnym Lwem na Biennale Teatru w Wenecji, Mai Kleczewskiej. Premiera 18 listopada na deskach Teatru Śląskiego w Katowicach.

AKTOR W TEATRZE JERZEGO JAROCKIEGO

W 10. rocznicę śmierci Jerzego Jarockiego otwarto wystawę poświęconą twórczości artysty. Jerzy Jarocki był wybitny reżyserem spektakli, który współtworzył zespół artystyczny Starego Teatru w Krakowie i pracował w nim przez 40 lat. W ramach wystawy można zobaczyć fragmenty nagrań oraz zdjęcia z kilkunastu spektakli zrealizowanych w Starym Teatrze w latach 1962-1997.  Tematem przewodnim jest relacja Jarockiego z aktorem.

Wyczytuję w tekście autora sensy i szukam sił, które mają te sensy ujawnić. Na tej podstawie powstaje scenariusz. Usuwam rzeczy zbędne, koncentrując w ten sposób „siły wybuchowe” i z tego rodzi się tekst do pierwszego spotkania z aktorem. […] Trzeba na aktorów przerzucić cały ciężar wszystkich szyfrów, aby oni zaczęli się tym posługiwać. Forma powstaje poprzez aktora.

Wystawę można zwiedzać do 6 listopada przy ul. Jagiellońskiej 1 w Krakowie.
Wstęp na wystawę w ramach biletu do MICET.

DRAMOX

Teatralną jesień można spędzić także w zaciszu domowym. Już 8 listopada na polski rynek wchodzi platforma DRAMOX. Od teraz spektakle teatralne z całego świata będzie można oglądać online. W ofercie mają pojawić się nie tylko klasyczne interpretacje Szekspira, ale również inne formy baletowe, operowe, teatr animacji czy teatr alternatywny i eksperymentalny. Hasłem przewodnim Dramoxu ma być różnorodność treści – od tych światowej renomy po niszowe i niezależne.

XXI OGÓLNOPOLSKI FESTIWAL SZTUKI REŻYSERSKIEJ „INTERPRETACJE”

W ramach teatralnej jesieni można również wybrać się do Katowic, gdzie w dniach 21-27 listopada odbędzie się festiwal „Interpretacje”. To tam, pięcioro młodych reżyserów będzie rywalizować na spektakle w walce o Laur Konrada. W konkursie biorą udział twórcy, którzy debiutowali najpóźniej dekadę temu.

Spektakle konkursowe:

1. „Anioły w Ameryce, czyli demony w Polsce” – reż. Michał Telega – Teatr Barakah w Krakowie
2. „Der Szturem. Cwiszyn / Burza. Pomiędzy” – reż. Damian Josef Neć – Teatr Żydowski w Warszawie
3. „Maszyna” – reż. Jagoda Szelc – Teatr Polski w Bydgoszczy
4. „Serce” – reż. Wiktor Bagiński – TR Warszawa
5. „Śmierć Jana Pawła II” – reż. Jakub Skrzywanek – Teatr Polski w Poznaniu

Cena biletu na spektakl konkursowy wynosi 80 zł.

Jesień filmowa

Jesień to doskonały czas nie tylko na nadrobienie filmowych zaległości. To czas, w którym można odwiedzić kilka wspaniałych festiwali, wziąć udział w pokazach specjalnych i przedpremierach, a także spotkać się z innymi twórcami lub pasjonatami kina. Poniżej kilka różnych propozycji na to, jak skutecznie przepędzić jesienną chandrę.

38. WARSZAWSKI FESTIWAL FILMOWY

… a w programie 156 filmów z całego świata! Filmem otwarcia w Konkursie Głównym będą „Niebezpieczni dżentelmeni” w reżyserii Macieja Kawalskiego, w którym spotkają się… Tadeusz Boy-Żeleński, Witkacy, Joseph Conrad i Bronisław Malinowski. Podczas tegorocznego festiwalu mocno zaznaczone zostanie również kino ukraińskie. Na festiwalu pojawi się gościnnie Odesa International Film Festival, który zaprezentuje swój konkurs międzynarodowy. Nowością w ramach festiwalu będzie sekcja Crème de la Crème – filmy już pokazywane i nagradzane na innych festiwalach. Warszawski Festiwal Filmowy potrwa od 14 do 23 października.

„JACK KEROUAC – SPOTKANIA FILMOWE”

Najsłynniejszy pisarz Beat Generation, poeta, artysta, podróżnik, głos Ameryki nie tylko z artystycznych kawiarni, ale i robotniczych barów, ulic, dworców czy pociągów towarowych, w których na gapę podróżował wzdłuż i wszerz kraju, bo „droga to życie”. W 100. rocznicę urodzin Teatr Barakah w Krakowie organizuje cykl cotygodniowych spotkań, których motywem przewodnim będzie postać Jacka Kerouaca. Spotkania będą odbywać się w czwartki począwszy od 6 października do 10 listopada. W programie przewidziane są projekcje filmów powiązanych z postacią Kerouaca, a wśród nich: biografie, ekranizacje twórczości czy próby zdefiniowania wpływu, jaki wywarł na innych artystach. Kuratorką cyklu jest Anna Wyrwik.

30. MIĘDZYNARODOWY FESTIWAL SZTUKI AUTORÓW ZDJĘĆ FILMOWYCH EnergaCAMERIMAGE

Festiwal z wielkim duchem kina, który corocznie odwiedzany jest przez najważniejszych twórców branży filmowej. Choć festiwal ma dość tematyczny charakter i skupia się wokół autorów zdjęć filmowych, można tam spotkać również wielu innych twórców. Już teraz wiadomo, że festiwal odwiedzi Sarah Greenwod – sześciokrotnie nominowana do Oscara scenografka. To doskonała okazja, aby bez blichtru poznać bliżej osoby na co dzień stojące po drugiej stronie kamery. Konkurs odbywa się w ośmiu kategoriach, m.in. debiutów, wideoklipów czy seriali telewizyjnych. W ramach EnergaCamerimage pojawi się również ukraiński Festiwal Filmów Etnograficznych OKO. Jubileuszowa edycja festiwalu odbędzie się w dniach 12-19 listopada w Toruniu.

26. FESTIWAL FILMÓW DOKUMENTALNYCH OFF CINEMA

W oderwaniu od dużych festiwali warto zajrzeć także do Poznania. To tam, w dniach 18-23 października odbędzie się święto dokumentu. W programie 50 pełnometrażowych filmów dokumentalnych w ośmiu sekcjach tematycznych. Będzie można zobaczyć dokumenty górskie, filmy o filmach, sekcję ECO DOC, która skupiona jest na środowisku naturalnym, ale też klasykę dokumentu. Celem festiwalu jest przegląd otaczającej rzeczywistości przez pryzmat kina dokumentalnego. W trakcie OFF Cinema również pojawi się wątek ukraiński w postaci sekcji zatytułowanej „bardzo bliski wschód”, która zaprezentuje filmy ukraińskich twórców.

Ruszyła 21. Edycja Festiwalu Ciało/Umysł

21. Ciało/Umysł – Międzynarodowy Festiwal Sztuki Tańca i Performansu – odbędzie się w dniach 10-15 października w Warszawie. W tym roku zagości na scenach STUDIO teatrgaleria, Komuny Warszawa oraz w siedzibie Instytutu Sztuki PAN. W programie cztery spektakle pokazywane po raz pierwszy w Polsce, jedna premiera festiwalowa, premiera warszawska, wydarzenia specjalne oraz towarzyszące, m.in. warsztaty, międzynarodowa konferencja naukowa, pokaz rejestracji spektaklu, podcasty, spotkania z artystami. Wystąpią artyści z Brazylii, Portugali, Ukrainy oraz Polski. Bilety do nabycia online, poprzez platformę eWejściówki.pl, stronę teatrstudio.pl oraz w kasie STUDIO teatrgaleria. Pełen program na stronie cialoumysl.pl.

„Wolno Tańczyć”, hasło 21. edycji Festiwalu Ciało/Umysł, jest przypomnieniem, czym jest ta jedna z najważniejszych wartości, a może jeden z przywilejów czy praw. Hasło to wyraża alternatywne podejście i sposób patrzenia na przestrzeń społeczną i kulturową. Jak mówi dyrektor artystyczna C/U, Edyta Kozak –

Artyści zaproszeni na 21. festiwal C/U nie mówią o zagrożeniu wolności, a wskazując na wypracowane i wyuczone formy kultury, sugerują uwolnienie się od społecznych stereotypów, kulturowej hierarchii i klasycznej filozofii opartej na oddzieleniu dobra od zła, piękna od brzydoty. (…) Tańca nie da się zatrzymać. Ruch to życie, nawet dla tych, którzy mają trudności z ruchem. Gdyby umiłowanie wolności przenosiło się tak szybko jak wirus, bylibyśmy szczęśliwą, radosną cywilizacją, może więc trzeba puścić w obieg miłość do wolności, miłość do tańca! – podkreśla Edyta Kozak.

SPEKTAKLE

Alice Ripoll | Cia REC (BR) | LAVAGEM | Premiera polska

12.10.2022, g. 19:00-20:10 | STUDIO teatrgaleria

„Lavagem” znaczy „czyszczenie”. Brazylijscy tancerze za pomocą prostych rekwizytów – wiader, wody i mydła –krytycznie eksplorują akt (o)czyszczenia. Poddają mu m.in. czarne ciało oraz jego sceniczne, kulturowe i historyczne wzorce. Artyści wystąpią w Polsce po raz pierwszy. Więcej: link do www
Wiek 14 + / Dostępne dla osób z ograniczoną mobilnością, osób głuchych i niedosłyszących| Po spektaklu spotkanie z artystami w j. ang.
Renata Piotrowska-Auffret (PL) | UTERI MIGRANTES | Premiera

13.10.2022, g. 18:00-19:00 | STUDIO teatrgaleria

Piąty spektakl z cyklu PrivatePieces. Choreografka eksploruje w nim politykę kobiecego ciała, oscylując między tym, co prywatne a tym, co publiczne. Tym razem tematem, materią i główną bohaterką spektaklu jest macica – potraktowana z dystansem, humorem, ale i troską. Autorka przygląda się temu organowi i całemu kobiecemu ciału przez pryzmat starzenia się. Więcej: link do www

Dostępne dla osób głuchych i niedosłyszących, tłumaczenie na polski język migowy | Po spektaklu spotkanie z artystami
Dominik Więcek (PL) | CAFÉ MÜLLER
14.10.2022, g. 18:30 – 19:10 | STUDIO teatrgaleria

W procesie kształtowania swojej dzisiejszej tożsamości twórca stawia na równi swoją matkę i słynną matkę Tanztheater, PinęBausch. Jego solo nawiązuje do kultowego spektaklu Café Müller, którego premiera odbyła się 20 maja 1978 roku. Więcej: link do www

Po spektaklu spotkanie z artystami

Diana Niepce (PT) | Spektakl ANDA, DIANA | Premiera polska

14.10, g. 20:00-21:00 | STUDIO teatrgaleria

Spektakl jest manifestem wolności, w którym niepełnosprawność staje się normą. Tancerka i akrobatka – po upadku, który spowodował uraz rdzenia kręgowego – przedstawia w nim proces samoodbudowy. W szczerym dialogu między ciałem i umysłem, logiką i chaosem rodzi się „tańczące ciało”. Więcej: link do www

Spektakl wykonywany w częściowej nagości. | Dostępny dla osób z ograniczoną mobilnością, osób głuchych i niedosłyszących | Po spektaklu spotkanie z artystami w j. ang.

Olga Dukhovnaya (UA/FR) | SWAN LAKE SOLO | Premiera polska

15.10.2022, g. 18:00-18:30

W Swan Lake Solo nie ma ani łabędzi, ani książąt. To nie jest solo księżniczki Odetty, nie jest to też współczesna wersja baletu Czajkowskiego – to spektakl tańca, komentujący aktualną rzeczywistość. Ukraińska artystka Olga Dukhovnaya odkryje przed nami prawdziwe znaczenie słynnego baletu Jezioro łabędzie dla Rosji. Więcej: link do www

Dostępne dla osób z ograniczoną mobilnością, osób głuchych i niedosłyszących | Spotkanie z artystką ok. g.19:20 – po spektaklu „Odbicia”, rozmowa w j. ang.

Anna Steller (PL) | ODBICIA

15.10.2022, g. 18:40-19:15 | STUDIO teatrgaleria

Odbicia to konceptualny performans Anny Steller, odnoszący się do sytuacji wojny w Ukrainie.Prosty gest skakania staje się wyrazem nieustającego wsparcia dla walczących, będąc jednocześnie wyczerpującym artystkę i publiczność ćwiczeniem z przetrwania. W spektaklu wykorzystano utwory ukraińskich raperek. Więcej: link do www

Dostępne dla osób z ograniczoną mobilnością, osób głuchych i niedosłyszących | Po spektaklu spotkanie z artystką, rozmowa w j. ang.

WORLD OF INTERIORS | Ana Borralho& João Galante (PT) | Premierapolska

15.10.2022, g. 20:00-22:00 | STUDIO teatrgaleria

Duet Borralho/Galante prawie od dekady rozmontowuje na C/U kolejne tematy tabu. Tym razem bada granicę między odbiorcą a dziełem w performansie-instalacji z udziałem mieszkańców Warszawy – pozorną pustkę wypełniają szepty, urywki dzieł literackich, ciała performerów oraz widzów. Więcej: link do www

WYDARZENIA SPECJALNE

Wolne tańce. Rozgrzewki ruchowe – otwarte, 30-minutowe lekcje z artystami tegorocznej edycji Festiwalu. Będą się odbywać przed spektaklami w Foyer STUDIO teatrgaleria. Poprowadzą je Diana NIEPCE (PT) link, Dominik WIĘCEK (PL) link oraz Olga DUKHOVNAYA (UA/FR) link.

WARSZTATY

RUCH I JĘZYK | Dominik Więcek, Joanna Pędzisz (PL) | 10.10.2022, g. 16:00-18:00 | Komuna Warszawa

Warsztat nauki fonetyki języka niemieckiego z perspektywy ciała. Interesujesz się językiem? Szukasz niesztampowych sposobów pogłębiania wiedzy lingwistycznej i/lub choreograficznej? To jest wydarzenie dla Ciebie! [link]

SNY I NIEŚWIADOMOŚĆ | Anna Godowska, Sławomir Krawczyński (PL) | 11.10.2022, g. 10:00-20:00 + 12.10.2022, g.10:00-18:00 | Komuna Warszawa

Uznani artyści tańca współczesnego, zapraszają na dwudniowy warsztat, w którym odnajdą się zarówno profesjonaliści ze świata tańca, jak i amatorzy zainteresowani zgłębianiem własnej psychiki i ciała [link].

FILM

EVERY MINUTE MOTHERLAND | Maciej Kuźmiński Company (PL/UA) | pokaz wideorejestracji spektaklu

| 15.10.2022, g. 17:00-17:55 | STUDIO teatrgaleria

Projekt zainspirowany wydarzeniami w Ukrainie. Przeżycia i doświadczenia wojnywpisane w ciała tancerzy układają się w emocjonalno-filozoficzną opowieść o podróży ludzkiego ciała [link] | Spotkanie z twórcami ok. g.19:20 – po spektaklu „Odbicia”, rozmowa w j. ang.

KONFERENCJA

PRAWO (DO) TAŃCA – KONTEKSTY ESTETYCZNE, KULTUROWE I POLITYCZNE |Międzynarodowa Konferencja Naukowa | 12.10.2022, g. 10:00-18:000 | Instytut Sztuki PAN

Konferencja wprowadza w temat szeroko rozumianego „prawa (do) tańca”.Przedmiotem analizy będą wybrane obszary: relacja taniec-struktury władzy / władza rozumiana szeroko – nie tylko jako polityczny reżim, ale także prawo widza do sądzenia / relacje władzy w środowisku / dysponowanie własnym ciałem / prawo do bycia na scenie. W programie łączącym środowiska akademickie i artystyczne znajdują się zarówno referaty naukowe, jak i formy lecture-performance oraz panel dyskusyjny [link].

Dostępna dla osób z ograniczoną mobilnością.

PODCASTY

Wolne Słowa

POLITYKA KULTURALNA W BRAZYLII: OD TAŃCA AKADEMICKIEGO PO PERYFERIE SCENY | Maria Claudia AlvesGuimarães (BR) | e-Scena | od 3.10.2022

Esej specjalistki od historii tańca, profesorki Uniwersytetu UNICAMP w São Paulo. Czyta autorka [link]

DRUGI ODDECH |Izabela Szymczyk (PL) | e-Scena | od 5.10.2022

Esej psycholożki i psychoterapeutki, która prowadzi grupę wsparcia dla kobiet doświadczających przemocy. Czyta autorka [link]

SPOTKANIA

PROSTO Z WNĘTRZA AFTER TALK | na żywo + e-Scena

Spotkania z twórcami – odbędą się w miejscach festiwalowych po spektaklach, a od następnego dnia rejestracje wideo będą dostępne online [link]

Wiktoria Filus i Hubert Miłkowski, aktorzy występujący w serialu „W głębi lasu”, dzielą się z nami swoimi doświadczeniami: o tym jak zostać aktorem, jak dostać się na casting i jak wygląda praca na planie. Warto wspomnieć, że castingi do produkcji odbywały się w naszym studiu – Studiu Kameralnym.

Chociaż lato jest czasem oddechu przed nadchodzącym sezonem kulturalnym, to teatry wychodzą naprzeciw spragnionym sztuki. To doskonały czas do tego, aby bez niepotrzebnego napięcia podróżować po Polsce i uczyć się od przeróżnych artystów. To szansa na interakcje z aktorami, improwizacje, poznanie nowych form w ramach warsztatów lub festiwali. Można doskonalić się w sztukach Szekspira, próbować teatru tańca i przez teatr poznać kulturę żydowską. I to wszystko w szczycie sezonu ogórkowego!

24. LETNI OGRÓD TEATRALNY

czas trwania: 2 lipca – 28 sierpnia 2022

miejsce: Katowice

program: KLIK!

Letni Ogród Teatralny, organizowany przez katowicki Teatr Korez, na dobre wpisał się w mapę kulturalnych wydarzeń Śląska. Spektakle odbywają się w warunkach półplenerowych przy Centrum Kultury Katowice. Wśród wydarzeń m.in. spektakle „A mi to rybka!” Teatru Capitol, „Nasz mały PRL” Nowego Teatru im. Witkacego ze Słupska oraz „NaXuj. Rzecz o prezydencie Zelenskim” z Teatru Nowego Proxima z Krakowa. Tradycyjnie już będzie można zobaczyć premierowy spektakl Korezu. To „Weltmajstry” w reżyserii Roberta Talarczyka, które będą wystawione 27 sierpnia. Spotkania w ramach LOTu są doskonałą szansą podpatrzenia pracy profesjonalistów w niezobowiązujących warunkach. A gdyby ktoś, przy okazji, chciał zabrać swoje pociechy, to i dla nich przygotowano bezpłatny cykl spektakli w ramach Niedzielnej Grządki Teatralnej.

XIV. MIĘDZYNARODOWY FESTIWAL TEATRALNY WERTEP

czas trwania: 22-24 lipca, 26-31 lipca, 2-7 sierpnia 2022

miejsce: Podlasie

program: KLIK!

A gdyby tak… pojechać na Podlasie w rejony Puszczy Białowieskiej i wziąć udział w festiwalu teatralnym? Bez problemu! Ideą festiwalu jest wędrówka ze sztuką. I tak co roku, od dziesięciu lat, WERTEP wędruje każdego dnia festiwalu w inne miejsce. Spektakle odbywają się w parkach, przy zalewach czy przystani kajakowej. To z jednej strony pomysł na wypoczynek, a z drugiej możliwość innego spojrzenia na teatr. W wydarzeniu weźmie udział 20 grup teatralnych z Polski, Argentyny, Niemiec, Hiszpanii, Izraela i Ukrainy. Wstęp na wszystkie wydarzenia jest bezpłatny. Premierowo będzie można zobaczyć „Eurydykę” w wykonaniu Teatru Biuro Podróży. Oprócz tego, Teatr Cinema wystawi „Kabaret olbrzymów” i „Nie mówię tu o miłości”, a hiszpański Residui Teatro „Penelope”.

26. MIĘDZYNARODOWY FESTIWAL SZEKSPIROWSKI W GDAŃSKU

czas trwania: 27 lipca – 6 sierpnia 2022

miejsce: Gdańsk

program: KLIK!

A gdyby wrócić do klasyki… to może festiwal prezentujący najlepsze szekspirowskie spektakle z całego świata? „Między niebem a sceną. Po burzy?”  to motto tegorocznej edycji nawiązujące w swojej drugiej połowie do trzech inscenizacji „Burzy”, które będą gościć na gdańskim festiwalu. Organizatorzy obiecują, że na deskach teatru zobaczymy Hamleta w wersji VR, żałobny musical, teatr tańca, teatr uliczny i liczne projekty z pogranicza sztuk. W trakcie festiwalu będą odbywać się dwa konkursy o Złotego Yoricka oraz SzekspirOFF, a w programie spektakle z Włoch, Danii, Kalifornii, Czech, Norwegii oraz Polski.

KRAKOWSKI FESTIWAL TAŃCA 2022

czas trwania: 1-7 sierpnia 2022

miejsce: Kraków

program: KLIK!

A może jednak trochę tańca? Krakowski Festiwal Tańca to nowa inicjatywa Krakowskiego Centrum Choreograficznego. Tegoroczna edycja odbywa się pod hasłem „Tu i teraz w nieskończoność” w Nowohuckim Centrum Kultury oraz w Hevre. W programie znajdują się zarówno polskie, jak i zagraniczne spektakle taneczne. Festiwalowi towarzyszą liczne warsztaty ruchowe, w tym poranny rozruch w plenerze, czyli zajęcia Luohan Qigong czy zajęcia GAGA. Wszystkie dostosowane do indywidualnego poziomu uczestnika. Dla tych, którym do Krakowa jednak nie po drodze – zawsze można wziąć udział w wykładach z Wojtkiem Klimczykiem „Nieskończone ciało”, które odbywają się online.

XIX FESTIWAL KULTURY ŻYDOWSKIEJ WARSZAWA SINGERA

czas trwania: 27 sierpnia – 4 września 2022

miejsce: Warszawa

program: KLIK!

Końcówkę wakacji można spędzić również zgłębiając kulturę żydowską przez pryzmat teatralny. W tym roku w trakcie festiwalu Warszawa Singera dominować ma, obok muzyki, właśnie teatr. W programie znajdują się zarówno premiery, jak i pokazy znanych już sztuk teatralnych, monodramów i czytań performatywnych. Na scenach Teatru Żydowskiego będzie można zobaczyć m.in.: spektakl z muzyką graną na żywo, czyli „Jentl” Izaaka Bashewisa Singera i Leah Napolin w reżyserii Roberta Talarczyka. Będą również inscenizacje Lema oraz „Balkon Goldy” – „one-woman show” Ernestyny Haselnus-Winnickiej o żelaznej damie Izraela, premier Goldzie Meir. W ramach festiwalu odbędą się również programy muzyczno-kabaretowe i inne projekty przygotowane przez aktorów Teatru Żydowskiego.

Szkoły aktorskie w Polsce.
Jak przygotować się do egzaminów?

Egzaminy do państwowych szkół aktorskich zbliżają się wielkimi krokami. Pomimo licznych legend, bardzo dużej konkurencji i sporych wymagań, co roku rekrutacje do szkół aktorskich cieszą się sporym zainteresowaniem. Jeśli czujesz, że aktorstwo to Twoja droga i marzysz o zostaniu dyplomowanym aktorem, poniżej znajdziesz informacje, które pomogą Ci zorientować się w oczekiwaniach, jakie stawiane są kandydatom chcącym zostać adeptami sztuki aktorskiej.

Poznaj uczelnie i uporządkuj informacje

Ten punkt pozwoli Ci usystematyzować wiedzę – zapoznaj się ze szkołami aktorskimi i odwiedź strony internetowe najpopularniejszych:

• Akademia Teatralna w Warszawie,
• Państwowa Wyższa Szkoła Filmowa, Telewizyjna i Teatralna im. L. Schillera w Łodzi,
• Akademia Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie,
• Akademia Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie filia we Wrocławiu,
• Wydział Teatru Tańca w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie,
• Warszawska Szkoła Filmowa.

Zapoznaj się z każdą z nich – jej historią, wykładowcami oraz wymaganiami, które stawia swoim kandydatom. Niektóre ze szkół posiadają też konkretne specjalizacje np. w kierunku aktorstwa dramatycznego, wokalno-aktorskiego czy teatru tańca. Zdecyduj o tym, która ze specjalizacji Cię interesuje. Jeśli czujesz, że trudno podjąć Ci jednoznaczną decyzję, to warto wiedzieć, że wiele szkół oferuje darmowe konsultacje. Sprawdź daty i skorzystaj z tej okazji, aby rozwiać wątpliwości i lepiej przygotować się do egzaminów.

Etapy

W trakcie researchu trafisz na informacje o etapach rekrutacji w wybranej placówce. Z powodu specyficznych i wyśrubowanych wymagań wobec studentów szkół aktorskich, rekrutacja to kilkuetapowy proces. Najczęściej składa się z trzech części, jednak każda placówka posiada nieco inne wymagania, dlatego najlepiej zapoznać się ze szczegółowymi wymaganiami na stronach internetowych szkół aktorskich, które Cię interesują.
Poniżej w pigułce zawarte są podstawowe elementy rekrutacji i wskazówki pomocne podczas egzaminów:

• video wizytówka – pandemiczny znak czasów – wiele szkół w trosce o bezpieczeństwo zarówno kandydatów, jak i egzaminatorów, przeniosło pierwszy etap egzaminów w świat wirtualny i przeprowadza je z wykorzystaniem Internetu. Video wizytówka powinna zawierać podstawowe informacje o Tobie: imię i nazwisko, wiek, wzrost, miejsce pochodzenia i datę uzyskania matury. Nagranie powinno też zawierać prezencję Twojej twarzy i sylwetki – wymagane jest zbliżenie na twarz oraz przedstawienie całej sylwetki. Oczywiście pamiętaj o tym, żeby nie używać w trakcie nagrania żadnych filtrów „upiększających” które oferuje Twój telefon czy laptop.

Rekrutacja na studia aktorskie różni się od tradycyjnej rekrutacji także jeżeli chodzi o sposób ubioru. Na egzaminie należy zaprezentować się w wygodnym stroju, który nie będzie krępował ruchów, podkreśli sylwetkę oraz pozwoli na swobodne wykonywanie zadań aktorskich. Więcej szczegółów na temat tego, jak ubrać się na egzamin przeczytasz tutaj.

• umiejętność interpretacji – wiersz klasyczny (powstały do 1945 r.), wiersz współczesny, fragment prozy (najlepiej klasycznej oraz współczesnej), piosenka ludowa czy monolog z dramatu. To podstawowe materiały, które należy przygotować we własnej interpretacji jeszcze przed egzaminami. Ze względu na pandemię prezentacja tych tekstów, jak i cały egzamin, może odbywać się online.
• predyspozycje – to część egzaminu, w której oceniane są Twoje warunki sceniczne – warunki dykcyjne i głosowe, słuch muzyczny, poczucie rytmu i ogólna sprawność fizyczna. Do sprawdzanych umiejętności fizycznych należą takie ćwiczenia jak: przewrót w przód i tył, mostek, waga (arabeska). Często sprawdzane są także umiejętności taneczne, chociażby znajomość podstawowych kroków co najmniej jednego tańca towarzyskiego (tango, walc, cha-cha, rumba itp.) oraz jednego tańca ludowego (mazur, krakowiak, kujawiak, oberek).
• zadania aktorskie – przygotuj się na nieprzewidywalne. Bardzo często oprócz wyznaczonego materiału, egzaminatorzy mogą poprosić Cię o wykonanie dodatkowych niezaplanowanych zadań aktorskich. Zadania bywają spontaniczne i czasem mogą wydawać się absurdalne, dlatego tak istotne jest kreatywne myślenie, nieskrępowana ekspresja i odporność na stres. To dzięki takim niezaplanowanym działaniom komisja ma możliwość sprawdzenia Twojej wyobraźni, gotowości do działania, wrażliwości, otwartości, odwagi, sprawności fizycznej, a także tego czy poradzisz sobie ze sceną, kamerami i oceniającą publicznością.
• sprawdzian teoretyczny – może towarzyszyć każdemu etapowi lub stanowić odrębną część rekrutacji. W szkołach aktorskich sprawdzana jest wiedza z zakresu teatru i dramatu, historii kultury, sztuki i literatury – zarówno polskiej, jak i powszechnej. Pytania mogą dotyczyć też problemów życia społecznego oraz kulturalnego w kraju i na świecie. Zorientowanie w filozofii również jest mile widziane.

Proces rekrutacyjny do szkół aktorskich bywa bardzo złożony, trudny, stresujący, wymaga od kandydatów określonych predyspozycji fizycznych i emocjonalnych, szerokiej wiedzy ogólnej, a także interesowania się teatrem, kulturą, i sztuką, bo zwykle z pasji do tych dziedzin wynika dalsza ścieżka rozwoju w kierunku aktorstwa.

Pamiętaj jednak, żeby nie zrażać się pierwszym niepowodzeniem egzaminacyjnym, jeśli takie nastąpi. Wyciągnij wnioski i próbuj ponownie, pamiętając o tym, żeby poszerzać swoją wiedzę teoretyczną, praktyczną i ćwiczyć warsztat aktorski np. biorąc udział w różnych produkcjach i zdobywać doświadczenie, podglądając najlepszych.

Udało ci się domknąć portfolio oraz z sukcesem przejść przez etap castingowy, więc masz powód do dumy, ponieważ finalnie dołączyłeś do obsady aktorskiej. Po pierwsze – gratulacje! Ale… pewnie zastanawiasz się co dalej? Jeśli tworzysz różne, nie zawsze pozytywne, scenariusze na temat tego, jak może potoczyć się twój pierwszy dzień na planie, dobrze trafiłeś. Niezależnie od tego, jak dużą rolę otrzymałeś w danym projekcie, poniżej znajdziesz uniwersalne wskazówki, które pozwolą ci przetrwać pierwszy dzień zdjęciowy bez dodatkowego stresu i wizji popełnienia jakiejś gafy.

Profesjonalizm w cenie
Nie jest żadnym odkryciem, że zdecydowanie łatwiej i przyjemniej pracuje się z osobami profesjonalnie podchodzącymi do swoich zadań. Dlatego upewnij się, że dokładnie pamiętasz swoje kwestie i wiesz czego oczekuje od ciebie reżyser. Następnie sprawdź dokładnie miejsce, w którym masz się pojawić oraz konkretną godzinę. Najprawdopodobniej pierwszym miejscem, które odwiedzisz na planie, będzie garderoba. To tam specjaliści od make-upu oraz kostiumów dokonają twojej metamorfozy w odgrywaną postać. Współpracuj z nimi i słuchaj wskazówek, żeby cały proces poszedł szybko i sprawnie. Pamiętaj też o tym, że oprócz bycia profesjonalnym, warto być dla innych po prostu… miłym. Jeśli masz już za sobą kilka epizodów, a właśnie nadeszła pora na rolę główną – nie zamykaj się przed resztą ekipy i unikaj gwiazdorzenia. To, co czyni plan zdjęciowy wyjątkowym, to atmosfera i więzi, które tworzą się tam między ludźmi.

Cierpliwości nigdy za wiele
Element kluczowy i niezbędny niezależnie od funkcji na planie. W proces tworzenia filmu zaangażowane są dziesiątki, a nawet setki osób. Wszyscy współtwórcy podlegają pod konkretne piony, czyli podgrupy w ekipie zdjęciowej, które wzajemnie dopełniają się przy realizacji zadań. Z tego powodu dzień zdjęciowy to w dużej mierze oczekiwanie na gotowość do działania kolejnych osób. Naturalnie wynikają z tego różnego rodzaju opóźnienia, czasem nawet wielogodzinne. Przygotuj się również na to, że specyfika pracy na planie filmowym polega na tym, że czas płynie nieco… inaczej. Snu jest zawsze zbyt mało, a dzień pracy trwa zdecydowanie dłużej niż osiem godzin.

Uważnie słuchaj poleceń
Plan zdjęciowy skupia jednocześnie bardzo wiele osób, dlatego ważne jest, żeby komunikacja między nimi przebiegała bez zakłóceń. Wśród filmowców funkcjonują pewne zwroty, które ułatwiają szybką komunikację i muszą być respektowane przez wszystkich. W twoim przypadku najważniejsza informacja, którą usłyszysz z ust reżysera, to „akcja!”. Oznajmia ona moment rozpoczęcia właściwej pracy przed kamerą, a kończy ją inne, równie znane hasło – „cięcie”. Na początek warto zapamiętać także pojęcie “cisza na planie”, które obowiązuje wszystkich. To znak, że wszyscy realizatorzy za chwilę rozpoczną pracę i wymagają skupienia. W tym czasie lepiej odpuścić sobie pierwsze plotki z członkami ekipy, dać innym pracować w spokoju i przy okazji poobserwować ekipę w trakcie działania, jeśli akurat masz przerwę.

Dbaj o swój komfort
Niezależnie od tego czy jesteś nowicjuszem, czy weteranem kolejnych planów – pamiętaj o tym, że warto dopytywać o szczegóły lub niejasne dla ciebie polecenia. Zawsze możesz nauczyć się również czegoś nowego o funkcjach konkretnych osób na planie lub zdobyć cenne wskazówki techniczne np. od operatora obrazu, który doskonale wie, jak funkcjonuje przestrzeń w kadrze, a w nim także twoja osoba. Nie krępuj się, kiedy ciężko będzie ci zrozumieć, kto jest kim lub po prostu nie zrozumiesz filmowego żargonu – po prostu zapytaj. Nie martw się również tym, że reżyser lub inny członek ekipy nie będzie miał dla ciebie czasu w konkretnym momencie, to nic osobistego. Wiele osób krąży zabieganych, bo plan filmowy bywa czasami nieco chaotycznym miejscem.

Bądź w gotowości na wszelkie zmiany
No właśnie. Pomimo wszystkich przygotowań oraz dokładnych harmonogramów, plan zdjęciowy bywa nieprzewidywalny. Wspomniane wcześniej powiązania między pionami oraz sytuacje losowe wpływają na ciągłe zmiany. Czasem może dotyczyć to czasu realizacji zdjęć, czasem zmiany lokacji, a także odgrywanej przez ciebie postaci. Choć nie jest to standard, pamiętaj, żeby być przygotowanym na różne niespodzianki planowe i zbytnio nie narzekać w takich sytuacjach. W pewnych warunkach może okazać się to trudne do zrealizowania, ale jedno masz zagwarantowane – na planie na pewno nie będziesz narzekać na nudę i rutynowe działania.

Powodzenia!

Ogłaszamy casting na główną rolę żeńską w przygodowym filmie fabularnym realizowanym dla znanej platformy filmowej. Do zgłoszeń zapraszamy kobiety, które ukończą 18 lat najpóźniej w lipcu 2023 (lub starsze, ale wyglądające na nastolatkę). Zdjęcia rozpoczną się na przełomie sierpnia i września, a potrwają do października, bądź listopada 2023 w Polsce. Wszelkie szczegóły na temat castingu oraz formularz zgłoszeniowy znajdują się pod linkiem: https://castingpro.pl/casting-glowna-rola-film

Zbliża się termin pierwszego castingu, a ciebie przepełniają niepewność i obawa przed tym, czy sobie poradzisz? Bycie niedoświadczonym, to żaden wstyd. Można stwierdzić, że wręcz przeciwnie – w końcu udało się pokonać pierwszą barierę dzielącą cię od zagrania roli. Jednak nawet bez doświadczenia warto wiedzieć czego lepiej się wystrzegać w kontekście uczestnictwa w przesłuchaniach.

W tym artykule znajdziesz cztery najczęściej popełniane błędy „okołocastingowe”. Jeśli wyciągniesz z nich odpowiednie wnioski, pozwoli ci to zredukować stres związany z castingiem oraz pomoże podczas pierwszego kontaktu z reżyserem.

Jesteś niepunktualny

Punkt pierwszy i pierwszy moment, w którym możesz stracić swoją szansę. Zaplanuj podróż na przesłuchanie tak, aby zdążyć na miejsce we właściwym czasie. Postaraj się mieć rezerwę czasową, bo po drodze mogą spotkać cię korki lub inne nieplanowane okoliczności. W najlepszym wypadku uda ci się zdążyć na casting, ale nie będzie już czasu na wyciszenie się oraz skupienie na dobrym wykonaniu zadania. W najgorszym wypadku spóźnisz się i stracisz szansę na pokazanie się przed reżyserem castingu. Pamiętaj, że nawet jeśli uda ci się wystąpić, spóźnienie może wpłynąć na ogólne postrzeganie twojej osoby. Niepunktualność zdecydowanie nie pasuje do wizerunku osoby profesjonalnej i może zostać odebrana jako zwyczajny brak szacunku.

Jesteś nieprzygotowany lub… starasz się aż za bardzo

Jeśli otrzymałeś wcześniej konkretne materiały castingowe i poproszono cię o przygotowanie różnych interpretacji tekstu, dostosuj się do tej prośby. Jeśli jest to monolog, przećwicz go wcześniej. W przypadku dialogu spróbuj poprosić kogoś bliskiego o pomoc w próbach. Jeśli liczysz na szczęście i możliwość szybkiej nauki przed wejściem na casting, to prawdopodobnie popełnisz gafę. Reżyserzy castingów to osoby doświadczone i wyczulone, więc bardzo szybko zauważą twój brak przygotowania.

Z drugiej strony, uważaj na pułapkę wkuwania oraz wyuczonej wcześniej gry. Zdarza się, że w trakcie castingu tekst się zmieni lub ktoś poprosi cię o odegranie innej wersji twojej postaci. Pamiętaj, że twórcy szukają również kogoś, kto potrafi dostosować się do dynamicznych sytuacji, które często mają miejsce na planie. Przygotuj się dobrze, ale zostaw też przestrzeń na improwizację.

Starasz się przypodobać na siłę

Tworzenie uniwersalnych taktyk oraz szukanie sposobów na to, jak oczarować sobą reżysera castingu, to nienajlepsza droga do otrzymania roli. Zamiast tego nie bój się zaryzykować i zinterpretować tekst po swojemu. Prawdopodobnie kilkadziesiąt osób przed tobą zagrało “bezpiecznie”, dlatego warto iść na żywioł. Pokaż siebie takim, jakim sam chciałbyś być zapamiętany – prawdziwe oblicze i oryginalność to zestaw idealny.

Wątpisz w swoje możliwości

Zapewne zdajesz sobie sprawę z tego, że pierwszą barierą, jaką musisz pokonać przed wejściem na casting, jest stres. Kilka prostych ćwiczeń oddechowych pomoże ci go zwalczyć lub wyciszyć, jednak postaraj się popracować także nad czymś jeszcze – nad pewnością siebie. Świadomość swoich umiejętności oraz pozytywne nastawienie na pewno pomogą ci ją uzyskać. Kiedy pomylisz się lub zamilkniesz w pół słowa, nie unoś się emocjami i nie przepraszaj za każdy mały błąd. Zawsze możesz przerwać i powiedzieć, że spróbujesz jeszcze raz. Po występie nie mów, że poszło ci strasznie i nie jest to szczyt twoich możliwości. W ten sposób możesz sprawić, że reżyser castingu naprawdę w to uwierzy. Wiara w siebie to podstawa!

Jeśli udało Ci się już przyswoić hasła z pierwszej części słownika pojęć filmowych, gdzie przybliżono nazewnictwo konkretnych ról w filmach, przyszła pora na kolejną partię haseł. W tej odsłonie skupimy się na pojęciach związanych przede wszystkim z planem zdjęciowym – miejscem kręcenia zdjęć, a także z kilkoma innymi, spokrewnionymi tematycznie określeniami.

Obiekt zdjęciowy (ang. location) – na planie najczęściej nazywany skrótowo lokacją od swojego angielskiego odpowiednika. Oznacza miejsce realizacji zdjęć, o którym mowa w scenariuszu. Warto pamiętać o tym, że jeden obiekt zdjęciowy może być odtworzony w kilku różnych lokalizacjach. Dla przykładu: wejście do restauracji może zostać nakręcone przed konkretnym lokalem, zaś jej wnętrze może być zrealizowane przy pomocy dekoracji w innym miejscu. W scenariuszu wyróżnia się trzy typy obiektów zdjęciowych:

• Atelier (ang. lot) – inaczej zwane halą zdjęciową. Oznacza studio filmowe, którego przestrzeń przeznaczona jest do budowy dekoracji pod wybraną produkcję. Zaletą kręcenia filmów w atelier jest duże zaplecze techniczne, w tym specjalnie przygotowane garderoby czy charakteryzatornie. W scenariuszu oznaczone skrótem AT lub HALA.
• Wnętrze (ang, interior) – miejsce realizacji zdjęć wewnątrz budynku, które jest względnie zamknięte. Takie wyróżnienie oznacza także często miejsce kręcenia poza studiem filmowym, wybrane z istniejących już wnętrz naturalnych, wspomniana już restauracja w całości kręcona w prawdziwym obiekcie. W scenariuszu oznaczone skrótowo WN lub INT.
• Plener (ang. exterior) – oznacza kręcenie scen na zewnątrz, w naturalnej scenerii w porównaniu do dwóch poprzednich miejsc, które są zamkniętą przestrzenią. Potocznie mówi się o kręceniu w plenerze. W scenariuszu oznacza się go skrótem PL lub angielskim odpowiednikiem EXT.

Próbne zdjęcia (ang. screen test) – to nic innego jak sceny realizowane w okresie przygotowawczym przyszłej produkcji. Tworzy się je w celu wyboru aktorów do filmu, dlatego jest to bardzo ważny element procesu castingowego. Bywa, że próbne zdjęcia połączone są z innymi próbami np. kostiumów czy charakteryzacji. Nazywane są wtedy próbami ekranowymi.

Próby aktorskie (ang. rehearsals) – odbywają się w ścisłej współpracy między aktorami i reżyserem. Próby można podzielić na trzy typy:

• stolikowo-czytane – są pierwsze w kolejności i jak sama nazwa wskazuje, odbywają się podczas specjalnego zebrania, gdzie na siedząco czyta się tekst wraz z innymi aktorami. Reżyser wówczas nadaje kierunek interpretacji tekstu.
• próby sytuacyjne – organizowane już najczęściej w otoczeniu pewnej dekoracji, zawierają próby gestykulacji czy konkretnego sposobu poruszania się. Szczególnie ważne w przypadku filmów toczących się na tle epoki lub wymagających skomplikowanych choreografii.
• próby inscenizacyjne – mają miejsce na planie przed nakręceniem ujęcia i polegają na ostatnim szlifowaniu gry aktorskiej w gotowej scenerii.

Off – pojęcie używane w różnorodnych kontekstach, zawsze jednak w związku z wydarzeniami toczącymi się „obok” realizacji zdjęć. Najczęściej o offie mówi się w kontekście dźwięku – stąd pojęcie offowy dźwięk, które oznacza odgłosy niesynchroniczne pochodzące zza ekranu. Często funkcjonuje również w kontekście hasła komentarz z offu, który dogrywany jest po zakończeniu zdjęć i dodawany do filmu na dalszym etapie.

Fotos (ang. still) – inaczej zdjęcie z planu zdjęciowego, które bardzo wiernie odtwarza kadr sprzed kamery. Fotosy realizuje się pomiędzy ujęciami w obecności aktorów, w pełnej charakteryzacji i przy gotowym oświetleniu. Tworzone przede wszystkim w celach promocyjnych filmu.

Werk (ang. set photo) – dla rozróżnienia warto znać jeszcze hasło, które również oznacza zdjęcie z planu zdjęciowego. Werk stanowi jednak fotografię z miejsca realizacji filmu w wersji roboczej tzn. przedstawia kawałek zaplecza filmowego. Przykładowo ilustruje pracę aktorów na planie podczas prób z reżyserem czy przygotowania w garderobach.

Zdjęcia „uciekające” (ang. on location scenes) – to materiały które wykorzystywane są do filmu jako przebitki, tło albo np. podkład pod efekty specjalne, a dotyczy ujęć sezonowych lub takich, na które w standardowym toku powstawania zdjęć do filmu nie ma czasu. Przykład zdjęć uciekających: film powstaje latem, ale potrzebne są przebitki zimowe, więc zdjęcia uciekające są kręcone właśnie zimą.

Wybierając się na casting, musisz pamiętać o tym, że pierwsze wrażenie jest dość istotnym elementem procesu castingowego. Zanim pokażesz swoje umiejętności aktorskie i oczarujesz nimi reżysera, wiele zdążysz zaprezentować już chwilę po zamknięciu za sobą drzwi do studia. Wygląd zewnętrzny to zarówno narzędzie pracy, jak i Twoja wizytówka. Nie pozwól na to, żeby nieodpowiedni ubiór, makijaż albo fryzura przekreśliły Twoje szanse na zdobycie roli.

Ubiór

Najczęściej popełniany błąd, który wynika zwykle z dobrych intencji, to nadgorliwość w chęci doboru stroju do konkretnej roli. Ubranie nie jest przebraniem. Do roli trenera fitness wcale nie musisz przynosić ze sobą na casting maty do ćwiczeń, gwizdka oraz kompletnego stroju, ponieważ może to wyglądać dość karykaturalnie. Z drugiej strony, biznesowa koszula także nie wchodzi w grę. Pamiętaj, żeby zachować rozsądek i znaleźć złoty środek – wybierz taki strój, w którym czujesz się komfortowo, a który jednocześnie będzie pasował do roli, o jaką się ubiegasz. Szukaj wskazówek w briefie castingowym, a jeśli podane są konkretne prośby, dostosuj się do nich.

Poniżej znajdziesz kilka zasad w kwestii doboru stroju na casting:

● nie zakładaj stroju w drobne, rozpraszające czy krzykliwe wzory np. cienkie linie/drobne kropki – będą one interferować w kamerze, czyli sprawiać wrażenie “pływania�